Artprojx presents: Untied Tastes of America
Interview with David Gryn
IKFF: As the founder and director of Artprojx Cinema you are a true all-rounder and pioneer. How would you describe the background and motivation of your work?
David Gryn: I would say that my motivation for what I do is rooted in my early experiences as an art student/artist of seeing artists’ films and videos in the context of museums and galleries and I never found it satisfying and I could never watch anything from the beginning to the end, as I was always distracted, and wanted to socialize and yet I was always happy sitting in cinemas and being generally engrossed by whatever I watched and for long durations. So I started screening films in cinemas, which was not a new concept, but aiming at marketing and promoting the events and experiences in a similar way to how cinemas market mainstream film. I also like to show films that I enjoy listening to, as for me a great film is something that affects all my senses, but I always walk away from a film with a memory of its sound and music.
You liaise with galleries, museums, art fairs, distribution companies and corporations. During the Armory Show in March, Artprojx Cinema and AV-arkki brought video art to the silver screen at the SVA Theatre in Chelsea. Is the divide between the white cube and the
cinema dissolving?
I think the divide is ever increasing – but for the wrong reasons. The art world is kind of polarized between two forces: commerce and art. In my experience over the last ten years I have seen an ever increasing shift away from galleries showing moving image works at art fairs and yet there are more artists than ever making work in this way – so to understand this paradox you have to accept that galleries generally try and show work that sells and most moving image work does not. The galleries showing film may do so for a variety of reasons such as: the artist brings them notoriety/attention/kudos/credibility, the artist is excellent, there is a possibility of sales. In my view the art fairs, the galleries, museums, curators, critics are all filtering systems that help audiences to determine what is quality ›art‹, but can all be fallible. Generally most cinemas do not understand artists’ moving image and there is no real box office incentive to motivate them either. This is where Artprojx stands between the art world and the cinema – to make it clear as to what is being screened – that it is a work made by a visual artist and not by a filmmaker.
Despite the worldwide economic crisis, art objects sell at astronomical prices. What trend do you observe on the video art market?
I know many collectors who think that video art is very good value at present and a very small and unique market – so that buying top works is affordable and that it gives the collector a niche position. I think we are on the verge of artists’ moving image becoming a more valuable player in the art market. However, one of my interests in it as a medium is that it still generally resists the commercial imperative and concentrates on the message and/or the aesthetic.
Filmmakers and video artists use online platforms like YouTube and Vimeo to reach a wider audience. In 2010, The Guggenheim Foundation and YouTube partnered to launch the world’s first professionally curated search for short online films. Is online video capable of becoming an art form in its own right?
I think like anything, the best work made by good artists is good art regardless of where or on what it is shown. The problem lies with the agenda (commercial or political) of the platform and its partners and the presumption from audiences that all art is art, and by default anything can be art if you call it art. Which as any art saturated reader will know – that just isn’t the case. If the platforms and companies can have good people at the helm steering the art ship then it is likely that the work featuring on new platforms will be in safer hands. I am happy viewing art on YouTube and similar sites in much the same way I look at newspapers and TV, but I believe that the experiencing of art is generally social, physical, dramatic and that showing, sharing and seeing art online is a separate experience – and will evolve in different guises over many years.
Big names like Steve McQueen, Sam Taylor-Wood and Clio Barnard have ventured into the field of feature-length film. Does this have an effect on their credibility as artist filmmakers?
I think they are three very different artists, and I would say that knowing the work of Steve McQueen best – that he is a great artist. However, once you change jobs you become something else ¬– so I just hope that he can maintain the qualities he had as an artist into that of a mainstream filmmaker and that is not to say he won’t make art or that his films are not artful – but they are possibly restricted by the confines of commerce – which pure art is not (or should not be). But I would say I would name and include Bergman, Tarkovsky, Lynch, Waters, Sofia Coppola in my list of great artists in any medium.
You work all around the world, but as a London-based American you are especially familiar with both the US and European psyche. What kind of interactions, differences and similarities do you observe between the two continents in terms of video art?
I really don’t see art or life as having nationalistic boundaries or being defined by passports – so in essence and I state the obvious – the best artists make the best art whatever the medium or location. I would say that artists in urban centres – such as London and NY – have more opportunities around them to encourage their success and are more likely to merge into a network to help propel them. The interactions between artists often don’t take place due to the resistance to collaboration. The financial support mechanisms for artists are based on private funding/patronage in the USA against a more public funding system in Europe – and both have an effect on the art and its making.
You were the curator of Art Video at last year’s Art Basel Miami Beach. We are absolutely thrilled that you are going to show some works that were featured in the ›Americania‹ programme. The title is an amalgam of America and Arcadia which seems to be an oxymoron at first sight. What was the idea behind the selection of works and the designation of the programme?
This programme title ›Untied Tastes of America‹, like ›Americania‹ is an obvious play on words. It is the unrestricted visions of America both good and difficult. My thinking was moulded by seeing Martha Rosler’s one-minute film ›God Bless America‹, which packs a hefty punch via such simple means. Her anti-war work has a wit, sadness, introspection and a powerful message – that encouraged my thinking and selection of the other works in the programme.
Interview: Mirjam Wildner via e-mail.
German version:
Artprojx presents: Untied Tastes of America
Interview mit David Gryn
IKFF: Als Gründer und Leiter von Artprojx Cinema sind Sie ein echter Allrounder und Vorreiter. Wie würden Sie ihren Background und die Motivation für Ihre Arbeit beschreiben?
David Gryn: Ich würde sagen, die Motivation für das, was ich mache, liegt in meinen frühen Erfahrungen als Kunststudent beziehungsweise Künstler verankert. Damals sah ich Kunstfilme und -videos in Museen und Galerien und fand das nie befriedigend. Ich konnte mir nichts von Anfang bis Ende anschauen, weil ich immer abgelenkt war und mich lieber mit den Leuten um mich herum unterhalten wollte. Gleichzeitig gefiel es mir aber, im Kino zu sitzen und in das, was auch immer ich da sah, für einen längeren Zeitraum einzutauchen. Also fing ich an, Kunstfilme in Kinos zu zeigen. Dabei folgte ich zwar keinem neuen Konzept, aber mir ging es darum, die Veranstaltungen und Erlebnisse so zu vermarkten und zu promoten, wie es Kinos mit Mainstream-Filmen machen. Mir gefällt es, Filme zu zeigen, denen ich gerne zuhöre, denn meiner Meinung nach muss ein guter Film immer alle meine Sinne ansprechen. Wenn ich einen Film gesehen habe, bleiben immer der Ton und die Musik in meinem Gedächtnis hängen.
Sie arbeiten mit Galerien, Museen, Kunstmessen, Vertriebsfirmen und Unternehmen zusammen. Während der Armory Show im März brachten Artprojx Cinema und AV-arkki Videokunst auf die Kinoleinwand des SVA Theatre in Chelsea. Wird die Kluft zwischen White Cube und Kino kleiner?
Ich denke, die Kluft wird immer größer – aber aus den falschen Gründen. Die Kunstwelt bewegt sich gewissermaßen zwischen zwei Polen beziehungsweise Kräften: Kommerz und Kunst. Meine Erfahrung der letzten zehn Jahre hat gezeigt, dass Galerien immer mehr Abstand davon nehmen, Film- und Videokunst auf Kunstmessen zu zeigen. Gleichzeitig gab es aber in diesem Bereich noch nie so viele Künstler wie heute. Um dieses Paradoxon zu verstehen, muss man sich damit abfinden, dass Galerien generell versuchen Arbeiten zu zeigen, die sich gut verkaufen. Film- und Videokunst gehört nicht dazu. Galerien, die Filme präsentieren, können verschiedene Beweggründe dafür haben: zum Beispiel, weil der Künstler ihnen Bekanntheit, Aufmerksamkeit, Renommee beziehungsweise Glaubwürdigkeit verschafft; weil der Künstler hervorragend ist und die Verkaufschancen gut aussehen. In meinen Augen sind die Kunstmessen, Galerien, Museen, Kuratoren und Kritiker allesamt Filtersysteme, die dem Publikum dabei helfen festzulegen, was qualitativ hochwertige ›Kunst‹ ist. Aber keiner von ihnen ist unfehlbar. In der Regel verstehen die meisten Kinos nichts von Film- und Videokunst und da es sich nicht gerade um potenzielle Kassenschlager handelt, kann man sie dazu auch nicht motivieren. Genau an diesem Punkt zwischen der Kunstwelt und dem Kino vermittelt Artprojx. Wir machen transparent, was gezeigt wird, und dass es sich um die Arbeit eines visuellen Künstlers handelt und nicht um die eines Filmemachers.
Trotz der Weltfinanzkrise werden Kunstobjekte zu astronomischen Preisen verkauft. Welchen Trend beobachten Sie auf dem Markt für Videokunst?
Ich kenne viele Sammler, die der Auffassung sind, dass Videokunst gegenwärtig sehr preiswert ist und einen sehr kleinen und einzigartigen Markt darstellt, sodass der Kauf von erstklassigen Werken erschwinglich ist und der Sammler eine Nische für sich beanspruchen kann. Wir werden bald erleben, dass die Film- und Videokunst eine größere und wertigere Rolle auf dem Kunstmarkt einnehmen wird. Mich hingegen interessiert an dem Medium, dass es immer noch dem kommerziellen Imperativ weitgehend standhält und sich auf die Botschaft beziehungsweise auf die Ästhetik konzentriert.
Filmemacher und Videokünstler nutzen Online-Plattformen wie YouTube und Vimeo, um ein größeres Publikum zu erreichen. 2010 kooperierten die Guggenheim Foundation und YouTube, um den ersten professionell kuratierten Wettbewerb für Online-Kurzfilme aus der Taufe zu heben. Haben Online-Videos das Potenzial, sich zu einer eigenständigen Kunstform zu entwickeln?
Ich denke ganz allgemein, die beste Arbeit eines guten Künstlers ist gute Kunst, egal wo sie gezeigt wird. Problematisch sind die Absichten – kommerzielle oder politische – der Plattform und ihrer Kooperationspartner und die Annahme des Publikums, dass alles automatisch Kunst sein kann, wenn man es als solche bezeichnet. Und das ist, wie jeder Kunstkenner weiß, einfach nicht der Fall. Wenn die Plattformen und Unternehmen gute Leute am Steuer haben, ist es wahrscheinlich, dass die Arbeiten hier in urteilssichereren Händen sind. Ich schaue mir gerne Kunst auf YouTube und ähnlichen Seiten an. So wie ich Zeitung lese und Fernsehen gucke. Ich glaube allerdings, dass das Erleben von Kunst etwas Gemeinschaftliches, Physisches, Dramatisches ist. Das Zeigen, Teilen und Sehen von Kunst im Internet ist eine völlig andere Erfahrung und wird im Laufe der Jahre unterschiedliche Formen annehmen.
Große Namen wie Steve McQueen, Sam Taylor-Wood und Clio Barnard haben sich in den Bereich des Langfilms gewagt. Hat das einen Einfluss auf ihre Glaubwürdigkeit als Filmkünstler?
Ich denke, es sind drei sehr unterschiedliche Künstler. Ich bin mit Steve McQueens Arbeit am vertrautesten und würde sagen, dass er ein großartiger Künstler ist. Sobald man jedoch seinen Beruf wechselt, entwickelt man sich zu jemand anderem. Ich hoffe einfach, dass er die Qualitäten, die er als Künstler hatte, auch als Mainstream-Filmemacher aufrechterhalten kann. Und damit meine ich nicht, dass er keine Kunst mehr machen wird oder dass seine Filme nicht kunstvoll sind, aber sie werden möglicherweise durch den kommerziellen Rahmen eingeengt werden, was auf Kunst in ihrer Reinform nicht zutreffen sollte. Ich würde Bergman, Tarkovsky, Lynch, Waters und Sofia Coppola auf meiner Liste großartiger Künstler jeglichen Mediums nennen.
Sie arbeiten auf der ganzen Welt, aber als in London lebender Amerikaner sind Sie mit der amerikanischen und europäischen Psyche ganz besonders vertraut. Welche gegenseitigen Beeinflussungen, Unterschiede und Ähnlichkeiten beobachten Sie zwischen den zwei Kontinenten im Hinblick auf Videokunst?
Meiner Ansicht nach haben weder die Kunst noch das Leben nationalstaatliche Grenzen und sie lassen sich nicht über einen Reisepass definieren. Im Wesentlichen – und das ist nichts Neues – produzieren die besten Künstler die beste Kunst, egal in welchem Medium oder an welchem Ort. Ich würde sagen, dass Künstlern in Metropolen wie London und New York mehr Möglichkeiten zur Verfügung stehen, die ihren Erfolg fördern, und die Wahrscheinlichkeit ist größer, dass sie den Weg in ein Netzwerk finden, das ihnen dabei hilft weiterzukommen. Eine Zusammenarbeit zwischen Künstlern findet selten statt, weil sie sich vor Kollaborationen scheuen. Die finanziellen Fördermechanismen für Künstler basieren in den USA auf privater Unterstützung beziehungsweise Mäzenatentum, während es sich in Europa meistens um öffentliche Fördermittel handelt. Beide beeinflussen die Kunst und ihr Entstehen.
Sie haben letztes Jahr die Video Art auf der Art Basel Miami Beach kuratiert. wir sind sehr glücklich, dass Sie einige Werke aus dem ›Americania‹-Programm zeigen werden. Der Titel ist ein Amalgam aus America und Arcadia, was auf den ersten Blick widersprüchlich erscheint. Welche Idee stand hinter Ihrer Auswahl der Arbeiten und der Ausrichtung des Programms?
Der Programmtitel ›Untied Tastes of America‹ ist wie ›Americania‹ offensichtlich ein Wortspiel. Es geht um die unlimitierten Bilder von Amerika, sowohl um die guten als auch um die schwierigen. Meine Überlegungen nahmen Gestalt an, als ich Martha Roslers Einminüter ›God Bless America‹ sah, der einem mit solch einfachen Mitteln einen kräftigen Schlag verpasst. Ihr Antikriegswerk hat eine Scharfsinnigkeit, Traurigkeit, Introspektion und starke Botschaft. All das beeinflusste meine weiteren Überlegungen und die Auswahl der anderen Arbeiten des Programms.
Das Interview führte Mirjam Wildner via E-Mail im April 2012
http://festival.shortfilm.com/index.php?id=3364&L=1
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